Главная страница
  Карта сайта
Обратная связь
Галереи
Gallery
Художники
Artists
Взгляд
Views on Art
Обои для рабочего стола
Wallpaper
Ссылки
Links

Самые дорогие произведения искусства

(Не только по результатам открытых торгов на аукционах, но и по результатам частных сделок)
  1. Поль Сезанн. "Игроки в карты", 1895г. Частная сделка 4.02.2012, - $250 млн.
  2. Пабло Пикассо. «Женщины из Алжира. Версия О», 1955 г., Christie's, 11.05.2015 -$179,3 млн.
  3. Амадео Модильяни. "Лежащая обнаженная", 1918 г., Christie's, 10.11.2015 - $170,4 млн.
  4. Френсис Бэкон "Три наброска Люсьена Фрейда"1969г. Christie's, 13.11.2013 - $142,405 млн.
  5. Джексон Поллок "Номер 5, 1948", 1948г. Christie's, 2006г. - $140 млн.
  6. Виллем де Кунинг «Женщина III». 1952-1953г.г. 2006 г. - $137.5 млн.
  7. Густав Климт. Портрет Адели Блох-Бауэр I., 1907г. , 2006г. - $135 млн.
  8. Эдвард Мунк "Крик", 1895 г. Sotheby's, 03.05.2013г. - $119,9 млн.
  9. Пабло Пикассо "Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев".1932 . Sotheby’s. 04.05.2010 - $106,482 млн.
  10. Альберто Джакометти. Идущий человек I. 1961. Sotheby’s. 03.02.10. - $104,3 млн.
  11. Пабло Пикассо. Мальчик с трубкой. 1905. Sotheby`s. 05.05.04. - $104,17 млн.
  12. Пабло Пикассо. «Дора Маар с кошкой» (Dora Maar with cat) 1941 Sotheby's 3.05.2006г - $95,2 млн.
  13. Густав Климт. Портрет Адели Блох-Бауэр II. 1912. Christie’s. 08.11.06.- $87,936 млн.
  14. Френсис Бэкон. Триптих 1976. Sotheby's. 14.05.08. - $86,281 млн.
  15. Винсент Ван Гог. Портрет доктора Гаше. 1890. Christie’s 15.05.90. - $82,5 млн.
  16. Клод Моне. Пруд с кувшинками. 1919г. Christie’s. 24.06.08. - $80,45 млн.
  17. Джаспер Джонс. Фальстарт. 1959. Частная сделка 2006г. - $80 млн.
  18. Огюст Ренуар. Мулен де ля Галетт (Moulin de la Galette). 1876. Sotheby`s. 17.05.90. - $78,1 млн.
  19. Питер Пауль Рубенс. Избиение младенцев. Sotheby`s. 10.07.02. $76,7 млн.
  20. Марк Ротко. Белый центр (желтый, розовый и бледно-лиловый на темно-розовом). 1950. Sotheby’s 15.05.07. - $72,8 млн.
  21. Энди Уорхол. Зеленая автокатастрофа (Горящая зеленая машина — 1). 1963. Christie’s. 17.05.07. - $71,720 млн.
  22. Поль Сезанн. Натюрморт с кувшином и драпировкой. Ок. 1893–1894. Sotheby`s. 10.05.99. - $60,5 млн.

  1. ПОЛЬ СЕЗАНН. "Игроки в карты". 1895 г.

    ПОЛЬ СЕЗАНН. "Игроки в карты". 1895 г. 250 млн долларов

    Картина продана вне аукционных торгов, поэтому в официальных рейтингах не учитывается.

    4 февраля 2012 года более чем 250 млн долларов была продана картину французского художника-постимпрессиониста Поля Сезанна.
    Покупатели - королевская семья Катара. До этого картиной владел греческий миллиардер Георг Эмбирикос. Он задумал продать ее зимой 2011 года, незадолго до своей смерти. На полотно изначально претендовали два покупателя - арт-дилер Уильям Аквавелла и галерист Ларри Гагосян, которые были готовы отдать за полотно около 220 миллионов долларов. Однако королевская семья Катара предложила больше.
    Картина была продана минуя аукцион, в частном порядке, поэтому она не входит в офицальный рейтинг самых дорогих каПикассо создал серию картин АЛЖИРСКИЕ ЖЕНЩИНЫ (Les femmes d'Alger) зимой 1954-1955 годов по мотивам знаменитой картины Эжена Делакруа 1834 года. Работал он в своей парижской мастерской на улице Великих Августинцев.

    Всего – 15 вариаций, ртин мира.

    Картина написана в 1895 году и является, предположительно, последней в серии из пяти работ Сезанна под названием "Игроки в карты". На работу над этой композицией Поля Сезанна вдохновила картина Караваджо "Игра в карты с шулерами".
    Другие четыре холста находятся в музее Метрополитен /Нью-Йорк/, музее д'Орсе / Париж/, галерее Курто /Лондон/ и фонде Барнса /Филадельфия/.
    Поль Сезанн родился 19 января 1839г в Экс-ан-Провансе
    в семье состоятельного буржуа. Учился в колледже Бурбон, где подружился с будущим известным французским писателем Эмилем Золя.
    учился в Школе Изящных Искусств Экс-ан-Прованса. Затем отправился в Париж, где познакомился с художниками Камилем Писсарро, Пьер-Огюстом Ренуаром, Клодом Моне и Альфредом Сислеем.
    Участвовал в первой выставке импрессионистов в 1874 году в фотографическом ателье Надара в Париже.
    Умер там же, в Экс-ан-Провансе, 22 октября 1906 в возрасте 67 лет.

  2. Пабло Пикассо. "Алжирские женщины". 1955 г.

    Пабло Пикассо. "Алжирские женщины", 1955 г., Christie's, 11.05.2015 -$179,3 млн.

    В 1954-1955г.г. Пабло Пикассо написал 15 вариантов АЛЖИРСКИХ ЖЕНЩИН (Les femmes d'Alger) по мотивам знаменитой картины Эжена Делакруа 1834 года. Работал он в Париже, в своей мастерской на улице Великих Августинцев. Полотна назывались одинаково и бозначались буквами от А до О. Вариант О - самый известный. Он уже продавался на торгах в ноябре 1997 года. Его купил тогда британский арт-дилер Либби Хоуи для неизвестного коллекционера за 31,9 миллиона долларов.

  3. Амадео Модильяни. "Лежащая обнаженная". 1918 г.

    Амадео Модильяни. "Лежащая обнаженная". 1918 г., $170,4 млн

    Итальянский художник Амедео Модильяни написал картину в 1918 году по заказу своего друга поэта Леопольда Зборовски. Когда она и другие работы художника были показаны на выставке в Париже, случился большой скандал и выставка была зхакрыта уже через несколько часов из-за напристойности полотен. 10 ноября 2015 года «Лежащая обнаженная» была приобретена на торгах аукциона Christie's в Нью-Йорке за $170,4 млн. коллекционером из Китая Лю Ицянь (Liu Yiqian) всего за 9 минут торга с пятью претендентами.

  4. ФРЕНСИС БЭКОН. "Три наброска Люсьена Фрейда", 1969 г.

    ФРЕНСИС БЭКОН. "Три наброска Люсьена Фрейда". 1969 г. 142,405 млн долларов

  5. 13 ноября 2013 года на аукционе Christie's в Нью-Йорке был продан триптих английского импрессиониста Фрэнсиса Бэкона "Три наброска Люсьена Фрейда".
    Типтих впервые выставлялся на аукционе. Торги между семью претендентами длились всего 6 минут, и завершились рекордной суммой покупки на публичных торгах за историю аукционов - 142,405 миллиона долларов.
    На этом триптихе, написанном в 1969 году, изображен друг художника британский художник Люсьен Фрейд в белой рубашке с закатанными рукавами, сидящим на стуле на ярко-желтом фоне в свободных непринужденных позах.
    Бэкон и Фрейд дружили с 1945 года и неоднократно писали портреты друг друга.
    После выставки в парижском Гран-Пале (1971-1972 г.г.) триптих был разделен на три отдельные панели. И соединен почти через 15 лет. Одна их частей даже выставлялась самостоятельно в лондонской галерее Тейт в 1985 году.
    В 1999 году триптих был показан на ретроспективной выставке Бэкона в Центре британского искусства при Йельском университете.
    в 1966 году худождник написал еще один такой триптих, его местонахождение неизвестно.
    "Это большая честь для нас выставить на продажу бесспорную икону искусства ХХ столетия. Диалог двух мастеров фигуративной живописи ХХ века, триптих Бэкона "Три наброска Люсьена Фрейда", – настоящий шедевр, отдающий дань творческому и эмоциональному родству двух художников", – заявил куратор отделения послевоенного и современного искусства аукциона Christie's Франсис Аутре.
    До этого аукциона максимальная стоимость работы Бэкона была $86 млн. Эту сумму уплатили за триптих на аукционе в 2008 году. Триптих вообще был излюбленной формой живописи Фрэнсиса Бэкона. Он, кстати, был прямой потомок и полный тёзка занменитого философа Френсиса Бэкона, которму приписывают авторство творчества Шекспира. Родился в 1909г. в Дублине, умер в 1992г. в Мадриде.

    Джексон Поллок
    "Номер 5, 1948", 1948 г.
  6. Джексон Поллок "Номер 5", 1948. 140 млн. долларов

    В 2006 году на аукционе "Сотбис" за 140 млн долларов было продано полотно знаменитого американского абстракциониста Джексона Поллока.
    Дэвид Гиффен, знаменитый кинопродюсер и коллекционер, продал её мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу.
    Поллок родился 28 января 1912году. В 1947 он изобрёл новую технику живописи - расстилал на полу огромные холсты и разбрызгивал краску с кистей, не прикасаясь ими к поверхности полотна. Автор назвал её «льющаяся техника». Сейчас ее иногда называют капанием или разбрызгиванием. Художник даже получил кличку - Jack the Dripper (Джек Разбрызгиватель).
    Картина "Номер 5, 1948" написана в 1948 году в этой уникальной технике.
    В 1949г. журнал Life Magazine назвал Поллока величайшим американским художником.
    Художник умер 11 фвгуста 1956 г. в возрасте 44 года. Он трагически погиб в автокастастрофе.


  7. ВИЛЛЕМ де КУНИНГ, «Женщина III»
    Холст, масло. 172,7×123,2 см. 1953г.
  8. ВИЛЛЕМ де КУНИНГ, «Женщина III», $137.5

    Виллем де Кунинг был другом Пола Поллока.
    Эта работа является частью серии, созданной между 1951 и 1953 годами и посвященной женщинам.
    В ноябре 2006г. полотно "Женщина Кунинга III" была продана Дэвидом Геффеном миллиардеру Стивену А. Коэну за $137,5 миллионов.

    Виллем де Кунинг родился 24 апреля 1904 года в Роттердаме, Голландия. С 12-ти лет стал заниматься изобразитлеьным искусством. В 22 года, в 1926 году, Де Кунингнелегально отправился в США. В течение последующих 70 лет жил и работал в Нью-Йорке. Индивидуальная манера письма де Кунинга сложилась в 1930-х и 1940-х гг. под влиянием Пикассо и Миро.
    В 1950-е гг. де Кунинг идёт по пути примитивизации, разрабатывает так называемые «фигуративные абстракции».
    Умер в Лонг-Айленде 19 марта 1997.

  9. Густав Климт (Gustav Klimt)
    Портрет Адели Блох-Бауэр I
    (Adele Bloch Bauer I), 1907 г.
  10. ГУСТАВ КЛИМТ. Портрет Адели Блох-Бауэр I . 135 миллионов долларов

    Картина была продана минуя аукцион, в частном порядке, поэтому она не входит в офицальный рейтинг самых дорогих картин мира.

    В 2006 году американский предприниматель и президент Нью-Йоркского Музея современного искусства Соломона Гуггенхайма Рональд Лаудер (Ronald S. Lauder) приобрел ее за 135,000,000 долларов США.
    Написанная в 1907 г., картина известна также как «Золотая Адель» или «Австрийская Мона Лиза».
  11. Эдвард Мунк КРИК
    ЭДВАРД МУНК
    "Крик". 1895.
    Christie's. 03.05.2012. 119 922 500 долларов
  12. ЭДВАРД МУНК. "Крик". 1932 . Sotheby's. 03.05.2013. 119 922 500 долларов

    Самая дорогая картина, проданная на открытом аукционе. Торги длились всего 12 минут. Начальная стоимость 50 млд. долларов была перекрыта более чем в 2 раза. Счастливым обладателем шедевра стал финансист Леон Блэк. 
    Эдвард Мунк (норв. Edvard Munch; 12 декабря 1863, Лётен, Хедмарк — 23 января 1944, Экели, близ Осло) — норвежский живописец и график, театральный художник, теоретик искусства. Один из первых представителей экспрессионизма.
    Известно 4 картины серии "Крик"  художника-экспессиониста, созданные им в 1893-1910 г.г..
    По мнению экспертов проданная 3 мая 2012 года на аукционе Sotheby's - лучшая из них и единственная, которая находилась в частной коллекции.
    Одна из картин этой серии находится национальном музее Норвегии (смешенная техника - картон, масло, темпера, пастель), 2 другие - в музее Мунка. Одна из них одна выполнена маслом, другая пастелью.

    На картине изображен кричащий человек, обхвативший голову руками. Фигура его стилизована и напоминает по разным отзывам скелет, эмбрион или сперматозоид. Волнообразные линии пейзажа контрастируют с прямыми линиями дороги. Композиция удивительнодинамична, разнообразна, но в то же время, гармонична.
  13. ПАБЛО ПИКАССО. Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев. 1932
    Фото: Christie’s Images Limited 2010
    ПАБЛО ПИКАССО
    "Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев". 1932 .
    Christie's. 04.05.1010. 106,482 миллиона долларов
  14. ПАБЛО ПИКАССО. "Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев". 1932 . Christie's. 04.05.2010. 106,482 миллиона долларов

    Пабло Пикассо остается остается одним из самых дорогих художником в мире.
    Его картина "Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев" было продано на аукционе Christie's неизвестному коллекционеру за рекордную сумму в $106,482 млн (95 миллионов плюс комиссия).
    На картине изображена возлюбленная художника Мари-Терез Вальтер. Это одно из самых значительных произведений Пикассо.
    Последние полвека эта картин находилась в частном собрании и на публике выставлялась лишь однажды. "Обнаженная, зеленые листья и бюст" принадлежала Сидни Фрэнсис Броуди, коллекционеру из Лос-Анджелеса. Она купила это произведение искусства в 1950 году, но не дожила до того момента, когда картина была продана по самой большой в мире цене. Полотно попало на аукцион после смерти владелицы вместе с другими произведениями искусства из ее коллекции. Коллекция госпожи Сидни Фрэнсис Броуди ушла с торгов за 224 177 500 долларов.
  15. АЛЬБЕРТО ДЖАКОМЕТТИ Идущий человек I. 1961
    АЛЬБЕРТО ДЖАКОМЕТТИ
    Идущий человек I
    1961 Бронза. Высота 183
    Sotheby’s. 03.02.2010. Лот № 8
    Эстимейт: 12–18 миллионов фунтов
    Результат: 65 миллионов фунтов

    АЛЬБЕРТО ДЖАКОМЕТТИ. Идущий человек I. 1961. Sotheby’s. 03.02.10. 104,3 миллиона долларов

    3 февраля 2010 года работа великого швейцарского скульптора Альберто Джакометти (1901–1966) «Идущий человек I» продана за 65 миллионов фунтов стерлингов (=104,3 миллиона долларов).

    «Идущий человек» - самый знаменитый образ художник и вообще один из самых узнаваемых образов искусства модернизма, по общеизвестности своей сравнимый с расплавленными часами Дали, «решетками» Мондриана и автопортретами Фриды Кало. Но все-таки скульптура не уникальная, тиражная (было отлито 6 экземпляров). Да и появление «идущих» скульптур на аукционе — дело не такое уж и редкое; правда, в основном на торги выставляются человечки поменьше («рост» рекордсмена составляет 183 см). Ожидалось, что работа установит персональный рекорд: специалисты Sotheby's дали ей эстимейт 12–18 миллионов фунтов (самым дорогим творением Джакометти на тот момент была «Большая стоящая женщина II», принесшая в 2008 году 27,5 миллиона долларов, или 14 миллионов фунтов). Оба изваяния должны были войти в скульптурную композицию, которую предполагалось разместить на Chase Manhattan Plaza в Нью-Йорке, но художник не завершил этот проект, решив, что вместо нескольких фигур на площади лучше поставить одну большую. Он и его брат Диего начали работать над 7-метровой статуей женщины, но довести дело до конца им не удалось: в конце 1965-го Джакометти заболел и вскоре скончался. После смерти скульптора было сделано множество новых отливок его произведений, благодаря чему ценность прижизненных экземпляров существенно возросла. На мировых аукционах регулярно появляются отлитые до 1966 года «идущие» и «падающие» мужские фигуры, «стоящие женщины» и бюсты, которые исправно приносят миллионы долларов. «Идущий человек I» примечателен тем, что является первым экземпляром своей отливки, появившимся на открытых торгах, а также единственным из шести, находящимся в частных руках.

    Кстати, про частные руки. Естественно, первым, кого заподозрили в покупке работы, стал Роман Абрамович, который в 2008 году приобрел на «Арт-Базеле» Джакометти за 14 миллионов долларов. Но представители миллиардера поспешили заверить прессу, что он тут не при чем. Так что пока имя нового владельца скульптуры окутано тайной. Раньше «Идущий человек» принадлежал немецкому Dresdner Bank, который получил его «в наследство» от поглощенного им Commerzbank. Последний купил работу в 1980 году у именитого дилера Сидни Джениса.

    Медиа-шумиха вокруг грандиозных продаж Джакометти несколько заслоняет тот факт, что он был одним из самых пронзительных художников XX столетия. Его иссохшие, почти бесплотные фигуры символизируют отчужденность. Человек у Джакометти предоставлен самому себе, он не нужен никому, кроме себя самого, у него нет опоры в виде бога, который смог бы его защитить. Джакометти — великий гуманист: его творчество говорит нам, что человек может надеяться только на человека, что он в полной мере ответственен за себя и других. У фигур Джакометти большие ступни: несмотря на все потрясения, люди крепко стоят на земле/упорно движутся к своей цели. Лица его скульптур — потрясающие: заостренные черты, очень живой взгляд.

    К своему знаменитому стилю художник пришел в начале 1940-х годов; до этого он (весьма удачно, надо сказать) экспериментировал с кубизмом и сюрреализмом. Наследие Джакометти включает не только скульптуры, но и живопись (которая, к слову, тоже стоит очень дорого: в ноябре прошлого года «Голова мужчины» (1964–1965) принесла на Sotheby’s 3,3 миллиона долларов), рисунки, оттиски и даже лампы.

    Согласно artprice.com, 100 евро, условно вложенные в работы Джакометти в 1998 году, к январю 2010 года превратились бы в 490 евро.

  16. ПАБЛО ПИКАССО Мальчик с трубкой. 1905
    ПАБЛО ПИКАССО Мальчик с трубкой. 1905.
    Холст, масло. 99,7х81,3.
    Эстимейт: по запросу. Цена продажи: 93 млн долл.
    Sotheby`s. 05.05.04. Лот № 7

    ПАБЛО ПИКАССО. Мальчик с трубкой. 1905. Sotheby`s. 05.05.04.
    104,17 миллиона долларов

    Пабло Пикассо (1881–1973). Многосторонний мастер, основоположник кубизма, преуспевший как живописец, график, скульптор и керамист. Его манере (точнее, многочисленным стилям) подражали многие, он оказал сильнейшее влияние на развитие всего искусства ХХ века.

    Главный модернист ХХ века стал первым художником в истории, кому удалось преодолеть ценовой рубеж в 100 миллионов долларов в рамках открытой конкурентной сделки. В 2004 году на аукционе Sotheby’s неизвестный покупатель приобрел работу «Мальчик с трубкой» (Garson а la Pipe) 1905 года за 104,168 миллиона долларов. Стартовая цена работы — 70 миллионов долларов — беспрецедентная для рынка искусства сумма. Высокая стоимость работы объясняется, во-первых, безупречным провенансом картины, а во-вторых, ее уникальностью: ранние работы Пикассо появляются на рынке крайне редко, почти все картины «розового» и «голубого» периодов находятся в музейных собраниях.

    Репродукции «Мальчика с трубкой» опубликованы чуть ли не во всех книгах о Пикассо (от статьи Жана Кокто 1923 года до каталогов-резоне), полотно не раз экспонировалось в самых авторитетных музеях мира, включая лондонскую галерею Тейт и нью-йоркский Музей современного искусства. Судьбу картины можно проследить начиная с 1910 года. В 1950-м шедевр «розового периода» приобрели супруги Уитни, которые позже передали его вместе с большой коллекцией произведений искусства в благотворительный фонд Greentree Foundation, который занимается правозащитной деятельностью, а также международными образовательными проектами. Коллекция Джона Хэя Уитни считалась одной из лучших коллекций импрессионизма и искусства художников XX века.

    «Мальчик с трубкой» написан в 1905-м, когда художник жил и работал, причем весьма успешно, в Париже. Тем не менее на «творческом календаре» Пикассо этот период — ранний, докубистский и, кстати, самый ценный. Полотно относится к редкому для любого мастера разряду знаковых картин: оно знаменовало собой переход художника от «голубого» периода к «розовому». Прецедентов аукционных продаж работ Пикассо такого уровня и этого периода (тогда же была написана, в частности, «Девочка на шаре», хранящаяся в ГМИИ им. А. С. Пушкина) нет, и именно уникальность лота обеспечила столь ожесточенную борьбу за картину.

    Интересно, что Пикассо считается одним из самых «продуктивных» художников: в рыночный оборот вовлечено несколько тысяч его произведений. Но массовость обеспечивают преимущественно его поздние работы, которые и стоят в разы дешевле. Иногда складывается ощущение, что автор картин «голубого» или «розового» периодов на рубеже веков, кубист Пикассо и стареющий мэтр искусства ХХ века, каким он стал после Второй мировой войны, — это три разных человека, три разных художника.

    Высказывались предположения, что покупателем «Мальчика с трубкой» был россиянин. Если так, то об имени остается только гадать, но интерес покупателей из нашей страны к работам Пикассо очевиден — например, 3 мая 2006 года некий россиянин приобрел на нью-йоркском аукционе Sotheby’s полотно Пикассо «Дора Маар с кошкой» за 95 миллионов долларов, и если бы мы составляли рейтинг не авторов, а самых дорогих работ, то этот результат уверенно занял бы в нем третье место .


  17. ПАБЛО ПИКАССО. «Дора Маар с кошкой»,
    Холст, масло, 129,5 х 97 см, 1941г.

    ПАБЛО ПИКАССО. «Дора Маар с кошкой» (Dora Maar with cat, 1941), Sotheby's 3 мая 2006г., 95,2 миллиона долларов

    Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в городе Малага (Анделузия, Испания). Его отец, Хосе Руис Бласко, был художником, и Пабло начал рисовать с детских лет. Первую картину маслом он написал в 8 лет, а в 13 лет поступил в Барселонскую Академию художеств, а через три года - в мадридскую академию Сан-Фернандо, считавшейся лучшей в Испании. Чтобы его не путали с отцом и из-за лучшего звучания, он взял фамилию матери - Пикассо.
    Теодора Генриетта Маркович (1907—1997) была дочерью хорватского архитектора и француженки, выросла в Буэнос-Айресе, где работал ее отец. В 1926 году она вернулась во Францию, стала посещать студию художника Андре Лота, где познакомилась с крупными фотографами - Анри Картье-Брессоном, Брассаем и Мэном Рэем. Вкоре девушка сблизилась с французскими сюрреалистами и, выбрав себе псевдоним Дора Маар, стала «музой» этого движения. Дора отличалась экстравагантной элегантностью, она любила носить широкополые шляпы и длинные перчатки, курила сигареты с длинным мундштуком , красила заостренные ногти в яркий пурпурный цвет и с «Роллейфлексом» в руках. Дора Маар быстро стала известным фотографом моды и рекламы, автором оригинальных светских портретов и сюрреалистических фотомонтажей, в которых она нарушала пропорции, сочетала несовместимые идеи и вещи, использовала оригинальные ракурсы.
    В 1935 году в парижском кафе «Две макаки» поэт Поль Элюар представил 28-летнюю Дору Маар 53-летнему Пабло Пикассо, переживший в то время творческий кризис. Начался их головокружительный роман, который продолжался семь лет. Дора никогда не позировала Пикассо, тем не менее, он написал множество ее портретов в разных стилях - графических, классических и кубистских, в шляпе, с зелеными ногтями, в образе химеры. Дора Маар вывела Пикассо на новые пути в творчестве, подтолкнула к авангардистскому движению и политическим темам. Она учила живописца технике фотографии, а сама начала заниматься живописью. Вместе они изготавливали на стекле так называемые «фотогравюры», которые используют как гигантские негативы, отпечатывая их затем на фотобумаге. Но самое главное - Дора Маар изобрела новый жанр - репортаж о рождении произведения искусства. В 1937 году она проследила в своих фотографиях историю создания "Герники", полотна, которому было суждено стать всемирно известным.
    Она обладала необузданным темпераментом и хрупкой психикой, а Пикассо в человеческих отношениях был чудовищем. Невысокий художник, его рост был всего 158 сантиметров, обладал притягательным магнетизмом, которому женщины не могли сопротивляться. Но любовь его была безжалостной и даже садистской. "Любит страстно, но его любовь убивает»", - заметил Поль Элюар. Многие женщины Пикассо плохо кончили. Повесилась Мария-Тереза Уолтер, ушла в монастырь, а затем застрелилась Жаклин Рок, помешалась Ольга Хохлова. Когда одна из последних любовниц Пикассо Женевьев Лапорт рассталась с художником, Жан Кокто сказал ей: «Вы вовремя приняли это решение, может быть, это спасло вам жизнь».
    Для Доры Маар разрыв с Пикассо в 1944 году стал катастрофой, она попала в парижскую психиатрическую лечебницу святой Анны, где ее лечили электрошоками. Вызволил ее оттуда и помог выбраться из кризиса известный психоаналитик и давний приятель Жак Лакан. Уединившись в своей квартире неподалеку от улицы Гран-Огюстен, она погрузилась в мистицизм и астрологию, приняла католичество. Позже Дора вернулась к живописи, ее стиль коренным образом изменился: она писала лиричные пейзажи. Дора Маар скончалась в в 90 лет июле 1997 года в одиночестве и в бедности.
    Подлинный масштаб самобытного художника Доры Маар стал ясен лишь после смерти, когда открылся доступ к ее архивам и коллекциям. Только тогда многие узнали, что Дора Маар принесла свой оригинальный талант на алтарь любви и незаслуженно осталась в тени всепожирающего гения Пикассо.

    Портрет написан в Париже в 1941 году, когда художнику было 59 лет. С 1963 года портрет принадлежал семье американских мультимиллионеров Гитвитцев (Gidwitz) из Чикаго. Продана 3 мая 2006г. на торгах Sotheby's в Нью-Йорке за 95,216 миллиона долларов анонимному покупателю, предположительно, из России.

  18. ГУСТАВ КЛИМТ Портрет Адели Блох-Бауэр II. 1912
    ГУСТАВ КЛИМТ Портрет Адели Блох-Бауэр II. 1912
    Холст, масло. 190х120.
    Эстимейт: 40–60 млн долл. Цена продажи: 78,5 млн долл.
    Christie’s. 08.11.06. Лот № 54

    ГУСТАВ КЛИМТ. Портрет Адели Блох-Бауэр II. 1912. Christie’s. 08.11.06.
    87,936 миллиона долларов

    «Портрет Адели Блох-Бауэр II» (1912) — это не самое дорогое из известных произведений Густава Климта. Незадолго до этой рекордной аукционной сделки прошла другая — частная закрытая, а потому ее результаты нельзя использовать для рейтинга. Но сам-то результат известен, точнее, не опровергнут. Другое изображение той же дамы — «Портрет Адели Блох-Бауэр I» 1907 года — было при посредничестве Christie’s приобретено летом 2006 года парфюмерным магнатом Рональдом Лаудером за 135 миллионов долларов. На тот момент эта сумма была самой большой из когда-либо уплаченных за одно произведение искусства (потом ее перебила частная сделка с работой Джексона Поллока, купленной за 160 миллионов долларов). Так что формально самым дорогим аукционным лотом кисти Климта остался «Портрет Адель Блох-Бауэр II» 1912 года, который был продан на аукционе Christie's 8 ноября 2006 года за 87,9 миллиона долларов коллекционеру, пожелавшему остаться неизвестным. В тот же день были проданы картины Климта Houses in Unterach on Lake Atter (Hauser in Unterach am Attersee, 1916); Apple Tree I (Apfelbaum I, около 1912) и Birch Forest (Buchenwald) — суммарно за 103,4 миллиона долларов.

    Тут впору удивиться, откуда такое изобилие шедевров художника, работы которого очень редко появляются на торгах? А тут сразу четыре холста, да еще и музейного уровня. Разгадка проста: собственно, из музея они и есть. На торги они попали в итоге долгого реституционного спора. Оба портрета и другие картины Климта находились в семье Адели и Фердинанда Блох-Бауэра, богатого сахарозаводчика. 43-летняя Адель умерла от менингита в 1925 году, и по ее завещанию картины должны были быть переданы австрийскому правительству после смерти Фердинанда. В 1938 году Австрия была аннексирована Германией, Фердинанд Блох-Бауэр успел скрыться в Швейцарии. Картины же еврейского сахарозаводчика, включая несколько работ Климта, конфисковали, после чего часть их отправили в австрийскую Галерею Бельведер, а часть распродали. Уже в Швейцарии Фердинанд Блох-Бауэр переписал завещание в пользу детей своего брата. До наших дней из них дожила лишь Мария (по мужу Альтман), которой уже исполнилось 90 лет. Она уехала из Австрии в США в 1942 году. Спор за конфискованное имущество велся с 2000 года. Австрийское правительство апеллировало к одному завещанию, наследники — к другому. В итоге австрийский арбитражный трибунал поддержал позицию верховного суда США и принял решение возвратить пять работ Климта наследникам во главе с Марией Альтман.

    Такое решение далось нелегко и стало потрясением для австрийцев. В 2006 году даже появились сообщения о том, что правительство призвало сограждан выкупить полотна, чтобы хранить национальное достояние в стране. Тогда стоимость пяти холстов (включая портрет, купленный позднее Лаудером) эксперты оценили не менее чем в 245 миллионов долларов. Планировалось даже выпустить облигационный заем на Климта. Когда же идея провалилась, Бельведер от греха подальше была вынуждена убрать холсты из экспозиции (в том числе и под давлением анонимной угрозы уничтожить картины, чтобы они не достались наследникам).

    Густав Климт (Gustav Klimt, 1862–1918) — признанный новатор, основатель Венского Сецессиона (института, отказавшегося от академизма в творчестве), художник, не раз шокировавший публику в свое уже отнюдь не пуританское время. С именем Климта устойчиво ассоциируются таинственные слухи о том, что в саду художника, где он черпал вдохновение, ходили обнаженные женщины, включая дам аристократических кругов. Климт был весьма востребован уже при жизни, причем ему удалось добиться как признания официальных властей, став воплотителем идей национального символизма (в 1883 году император Франц Иосиф I даже наградил его главной имперской наградой, доступной австрийскому художнику, — Золотым орденом за заслуги), так и благосклонности самых влиятельных и богатых частных заказчиков. Декоративность, изысканность и эротизм произведений Климта сделали их желанным украшением интерьеров самым роскошных домов в начале ХХ века. И надо сказать, что со временем в этом стремлении мало что изменилось.

    Продажа наследниками произведений Климта из коллекции Фердинанда Блох-Бауэра — уникальный случай, когда на рынке появились вещи мирового «музейного» масштаба в буквальном смысле этого слова. Произведения такого уровня появляются на рынке раз в несколько десятилетий, поэтому и ставки столь высоки.

    ФРЕНСИС БЭКОН Триптих. 1976
    ФРЕНСИС БЭКОН Триптих.
    1976. Холст, масло, пастель. 198х147,5.
    Эстимейт: по запросу. Цена продажи: 77 млн долл.
    Sotheby's. 14.05.08. Лот № 33
  19. ФРЕНСИС БЭКОН. Триптих 1976. Sotheby's. 14.05.08. 86,281 миллиона долларов

    Продажа картины «Триптих 1976» Фрэнсиса Бэкона на торгах Sotheby's в Нью-Йорке 14 мая 2008 года за 86,281 миллиона долларов стала дважды рекордом: ценовым рекордом для работы художника, чьи произведения давно и прочно обосновались в списке самых дорогостоящих, и годовым рекордом для всего арт-рынка. Работа ушла со значительным превышением 70-миллионного эстимейта. С этого момента Бэкон занял почетное третье место в десятке авторов — лидеров аукционных продаж.

    Следует отметить, что к месту в десятке авторов самых дорогих работ произведения Бэкона двигались в последние годы постоянно и упорно. До майского аукциона самой большой суммой, уплаченной за картину художника, были 52,7 миллиона долларов. Именно столько заплатил новый владелец за полотно «Тема с папой Иннокентием Х» по мотивам сюжета Диего Веласкеса. Дело было в Нью-Йорке в мае 2007 года. Почти за эту же сумму был продан на лондонском аукционе Christie's в феврале этого года триптих 1974–1977 годов.

    Что касается «Триптиха 1976», то эксперты Sotheby’s считают это произведение самой значительной работой художника, находящейся в частных руках.

    Ко времени создания триптиха британский художник Фрэнсис Бэкон был уже широко признан, уже представлял Британию на Венецианской биеннале современного искусства, выставлялся в крупнейших музеях мира, провел огромную и шумную персональную выставку в парижском Grand Palais. Его картины уже тогда стоили дорого — что, впрочем, ничуть не повлияло на маргинальный стиль жизни художника. Как и на стиль его живописи: полотна Бэкона по-прежнему демонстрировали обнаженные нервы (после 1971 года многие работы художника были посвящены гибели его возлюбленного, Джорджа Дайера).

    Сюрреалистические трагедии Бэкона — потомка знаменитого философа и его полного тезки — завораживают современников, хотя сам Бэкон причислял себя к классическим реалистам. «Ничто не может быть ужаснее, чем сама жизнь», — считал этот гений современного искусства.

    Примечательно, что новым владельцем работы, по сообщениям прессы, стал российский коллекционер. Газета Sunday Times со ссылкой на «надежные источники», называет таинственным покупателем «Триптиха 1976» Романа Абрамовича. В западных СМИ активно обсуждается предположение, что на приобретение картин Бэкона и ряда других выдающихся новаторов ХХ века Абрамовича вдохновила его 26-летняя подруга Дарья Жукова, которая увлекается искусством и нынешней осенью открывает в Москве Центр современной культуры «CCC Moscow».

    ВИНСЕНТ ВАН ГОГ Портрет доктора Гаше. 1890

    ВИНСЕНТ ВАН ГОГ Портрет доктора Гаше. 1890.
    Холст, масло. 66х57. Эстимейт: 40–50 млн долл.
    Цена продажи: 75 млн долл. Christie’s. 15.05.90. Лот № 21
  20. ВИНСЕНТ ВАН ГОГ. Портрет доктора Гаше. 1890. Christie’s. 15.05.90. 82,5 миллиона долларов

    Очень долгое время — с 1990 по 2004 год — пальма первенства в рейтинге авторов самых дорогих произведений искусства по результатам аукционных продаж принадлежала постимпрессионисту Винсенту ван Гогу (1853–1890). Его «Портрет доктора Гаше» (Portrait du Docteur Gachet), написанный художником незадолго до смерти, был приобретен японским миллионером Реэи Саито на аукционе Sotheby’s в мае 1990 года за 82,5 миллиона долларов.

    История самой картины оказалась сродни детективной: в 1896 году портрет был продан женой брата художника, Тео ван Гога, знаменитому торговцу картинами, после чего он долго переходил из рук в руки. Следующее знаковое сообщение о нем относится к концу 1930-х годов, когда полотно попало в музей Франкфурта, но уже в 1938 году, после прошедшей в Мюнхене выставки «Дегенеративное искусство», картину «приобрели» нацисты, однако вскоре перепродали ее в коллекцию Крамарского. Затем картина оказалась в США, куда из Голландии эмигрировали, спасаясь от нацистов, ее новые владельцы. После их смерти наследники решили продать портрет и выставили его на аукцион в Нью-Йорке в 1990 году. Картину за вышеназванную сумму приобрел японский миллионер, магнат Реэи Саито, который завещал похоронить себя вместе с шедевром. После смерти Саито в 1996 году точное местонахождение «Портрета доктора Гаше» на долгое время оказалось неизвестно, что породило массу догадок.

    Дело в том, что Саито в приступе гнева, вызванном тем, что в Японии ему приходится платить очень большие налоги (около 24 миллионов долларов в год), сказал, что картины вместе с ним уйдут в могилу. Наследники миллионера отказывались говорить о судьбе шедевра, подтверждая тем самым неутешительные предположения. Впрочем, недавно некоторый свет на судьбу картины пролил один из руководителей токийского аукционного дома Кионори Ямамото, сообщивший, что картина была продана в США по «сходной цене» — от 87 до 130 миллионов долларов. Имя нового владельца не разглашается. Несколько позже было сообщено, что все это время картина провела в сейфе японского банка — кредитора Саито, но банк намеренно хранил молчание, чтобы его имя не ассоциировалось с неудачами заемщика. Как бы там ни было, но до сих пор во всех серьезных публикациях о Ван Гоге, включая каталоги, «Портрет доктора Гаше» сопровождается примечанием «местонахождение неизвестно».

    С одной стороны, история картины окутана массой тайн, в том числе и безумных: предположить, что человек в здравом уме в качестве последней воли может выказать желание унести с собой в могилу картину ван Гога, — почти невозможно. В то же время это очень в духе самого художника. Или, точнее, нашего представления о нем. Ведь часть легенды о Ван Гоге — его безумие, позволившее ему заглянуть в такие глубины, которые недоступны простым смертным. Собственно, поэтому такой интерес и вызывает «Портрет доктора Гаше» — лечащего врача из клиники для душевнобольных. Впрочем, в отношении этого врача сам Ван Гог произнес загадочную фразу: «Прежде всего он гораздо менее здоров, чем я, или, по крайней мере, настолько же болен».

    С другой стороны, сокрытие реального местонахождения шедевра может иметь вполне прозаическое объяснение. Если портрет на самом деле существует, то не исключено, что его нынешний владелец, кем бы он ни был, опасается повторения реституционной истории с картинами Климта. В 1937 году «Портрет доктора Гаше» был конфискован подручными Геринга во франкфуртском Институте Штаделя. Так что, объявись он сейчас, на фоне прецедентов с картинами Климта и Малевича, законный владелец вряд ли отступится от своих прав.

    За 101 год до беспрецедентной продажи «Портрета доктора Гаше» Винсент пророчески писал своему брату, Тео: «Практика в торговле произведениями искусства, когда цены поднимаются после смерти автора, сохранилась до сих пор… Самые высокие цены, о которых говорят и которые были заплачены за работы уже умерших художников, при их жизни так бы не поднялись — это что-то вроде торговли тюльпанами, когда у живущего художника больше минусов, чем плюсов».

    КЛОД МОНЕ Пруд с кувшинками. 1919
    КЛОД МОНЕ Пруд с кувшинками. 1919.
    Холст, масло. 100,4х201.
    Эстимейт: 18–24 млн фунтов. Цена продажи: 40,9 млн фунтов.
    Christie’s. 24.06.08. Лот № 16
  21. КЛОД МОНЕ. Пруд с кувшинками. Christie’s. 24.06.08. 80,45 миллиона долларов

    Последний по времени рекорд аукционных продаж — это 80,5 миллиона долларов, которые заплатил неизвестный покупатель за картину Клода Моне «Пруд с кувшинками». Собственно, в том, что эта картина установит новый рекорд для художника, никто и не сомневался, особенно после того, как в мае этого года на нью-йоркских торгах Christie's пейзаж Клода Моне «Железнодорожный мост в Аржантейе» был продан за 42 миллиона долларов. А тут традиционный и прославленный сюжет Моне — кувшинки, поэтому и коллекционеры, и организаторы торгов, и журналисты были готовы к сенсации. Однако столь высокой цены не ожидал никто, прежде всего представители Christie’s, о чем свидетельствует скромный по сравнению с конечной суммой эстимейт (36–48 миллионов долларов). За работы Клода Моне всегда платили много, очень много, теперь же он вошел в «высшую ценовую лигу».

    Однако недоумение вызывает отнюдь не сумма и не имя художника, а то, какая именно из его картин была приобретена за рекордную цену. Это произведение не новатора, стоявшего у истоков нового живописного направления, не экспериментатора в области света и цвета (периода его знаменитой серии изображений Руанского собора в разное время суток), а престарелого, пусть и признанного мэтром художника, стремительно теряющего свой главный «инструмент» — зрение. Картина «Пруд с кувшинками» была написана в 1919 году и входит в серию из четырех работ, объединенных общей темой. Примерно с начала 1900-х годов Моне начинает тиражировать свои более ранние и уже хорошо известные произведения, впрочем, несколько изменяя цветовую гамму. На закате дней художник обратился к созданию декоративных панно, излюбленным мотивом которых стали как раз узоры из кувшинок на водной глади, — результаты можно сегодня увидеть в парижской Оранжерее Тюильри, где представлены 14 гигантских холстов из бесконечной серии. Однако дело даже не в том, что в этот период художник начал слепегодня каждая аукционная продажа по баснословной цене наводит на мысль (и небезосновательно) об одном и том же имени, но, оказывается, в 1990-м у него был предшественник — все тот же миллионер Реэи Саито. Через день (!) после того, как он приобрел «Портрет доктора Гаше» Ван Гога за 82,5 миллиона долларов, 17 мая 1990 года, уже на Sotheby's, эксцентричный японец нуть, а его картины приобрели оттенок шаблонности и однообразия… В 1919-м уже стали классиками живописи импрессионисты и постимпрессионисты, и даже отошли в прошлое поиски модерна в области орнамента и декоративности (с которыми нередко связывают работы позднего периода творчества Клода Моне), и уже десять лет, как мир завоевывали кубизм и прочие «измы»... А «Пруд с кувшинками» демонстрирует всё те же отражения, блики и «нерезкое» изображение — всё так, или почти так, как было в 1870-х, когда импрессионисты были бунтарями и новаторами. Словом, прежней энергии и чувства цвета в этой картине стало меньше.


    ДЖАСПЕР ДЖОНС. Фальстарт. 1959
    Холст, масло. 171,5 х 134,7.
    Цена продажи: 15,5 (17) млн долл.
    Sotheby's. 10.11.88. Лот 34
    В 2006 году в ходе частной сделки была продана за 80 млн долл.
  22. ДЖАСПЕР ДЖОНС. Фальстарт. 1959. Частная сделка 2006г. - 80 миллионов долларов

    Джаспер Джонс (Johns, Jasper) - самый дорогой и один из самых известных современных художников, скульптор, гравер, виднейший представитель поп-арта и абстрактного экспрессионизма.
    Родился 15 мая 1930 в городке Аллендэйл (штат Южная Каролина, США). Некоторое время он учился живописи в университете Южной Каролины, после двух лет военной службы поселился в Нью-Йорке.
    Джаспер Джонс прославился в 50-е годы, нарисовав американский флаг. Просто американский флаг, плоско растянутый по поверхности холста, который не реет и не вьется - флаг, как эмблема.
    Вообще Джонс изображает простые объекты: флаг, мишень, цифры, буквы, банки из под пива, лампочки - но в своей сложной узнаваемой манере.

    ОГЮСТ РЕНУАР Мулен де ля Галетт (Moulin de la Galette). 1876

    ОГЮСТ РЕНУАР Мулен де ля Галетт (Moulin de la Galette). 1876.
    Холст, масло. 78х114. Эстимейт: 40–50 млн долл.
    Цена продажи: 71 млн долл. Sotheby`s. 17.05.90. Лот № 24
  23. ОГЮСТ РЕНУАР. Мулен де ля Галетт (Moulin de la Galette). 1876. Sotheby`s. 17.05.90. 78,1 миллиона долларов

    Сегодня каждая аукционная продажа по баснословной цене наводит на мысль (и небезосновательно) об одном и том же имени, но, оказывается, в 1990-м у него был предшественник — все тот же миллионер Реэи Саито. Через день (!) после того, как он приобрел «Портрет доктора Гаше» Ван Гога за 82,5 миллиона долларов, 17 мая 1990 года, уже на Sotheby's, эксцентричный японец купил картину Огюста Ренуара (1841–1919) «Мулен де ля Галетт» за 78,1 миллиона долларов. Столь значительные суммы, уплаченные одним человеком за картины, тогда стали настоящей сенсацией в мире антиквариата (кого этим сегодня удивишь!) и укрепили позиции импрессионистов и постимпрессионистов в качестве «голубых фишек» арт-рынка.

    В аукционном каталоге и пресс-релизах, предшествующих торгам, Sotheby's определил картину «Мулен де ля Галетт» (Moulin de la Galette, 1876) как «наиболее качественную работу Ренуара, впервые появившуюся на рынке». Потенциальные покупатели среагировали, и полотно ушло с молотка за гигантскую сумму.

    Примечательно и то, что, хотя эта картина относится к разряду хрестоматийных в творчестве Ренуара, после смерти художника она показывалась публике лишь однажды, на выставке в музее Метрополитен в 1937 году. Между тем картина написана в тот период творчества художника, когда после скандальной выставки импрессионистов в 1874 году в ателье Надара к нему пришли успех и признание, а его стиль окончательно оформился. Проданная на аукционе 1990 года работа является авторским повторением знаменитой «Мулен де ля Галетт» того же года, хранящейся в музее Орсэ в Париже. Радостное и ликующее настроение полотна, пронизанного солнечным светом, любовью и беззаботным весельем, стало визитной карточкой художника.

    Кроме очевидно высокого качества живописи, а также громкого имени автора, особую ценность (даже не денежную — общекультурную) этой картине Ренуара придает то, что ее можно считать своего рода манифестом импрессионизма — наряду с прославленными полотнами «Впечатление. Восход солнца» Клода Моне и «Завтрак на траве» Эдуара Мане. Здесь есть все, за что ценят импрессионистов: и взятый из жизни сюжет (тему для картины Ренуар нашел рядом с домом, на Монмартре, на улице Корто, в одноименном ресторане «Мулен де ла Галетт»), и пленэр (чтобы писать сцену с натуры, а не в мастерской, художнику приходилось выносить большой холст в сад, где свет, играя, проходил сквозь листву акаций, усыпая землю и одежду танцующих голубыми и розовыми бликами). К тому же художник не только точно и живо передал атмосферу монмартрского танцевального зала 1870-х годов, куда по выходным собирались потанцевать и приказчики из магазинов, швеи, и молодые художники, литераторы и актрисы, но и изобразил на картине своих друзей, видных представителей тогдашней парижской богемы — испанского художника дона Педро Видаля де Солареса, живописцев Анри Жерве и Фредерика Корде, а также журналиста Поля Лота. В общем, если бы некий коллекционер задался целью представить в своем собрании все основные направления в живописи, то «Мулен де ля Галетт» Ренуара по праву стала бы идеальным отражением сути импрессионизма.

    Покупка этой картины за 78,1 миллиона долларов на тот момент оказалась весьма неудачным предприятием. Вскоре разгорелся кризис, и произведения импрессионистов упали в цене почти на двадцать процентов. Бум вернулся только через несколько лет. Доподлинно не известно, что стало с картиной после смерти японского коллекционера, данных открытых аукционных торгов нет, но, по неподтвержденным слухам, полотно из собрания Саито было продано в 1998 году за 50 миллионов долларов покупателю, имя которого не разглашается. Впрочем, данные аукционных торгов нельзя напрямую сопоставлять с суммами неафишируемых частных сделок.

    ПИТЕР ПАУЛЬ РУБЕНС Избиение младенцев. Ок. 1609–1611
    ПИТЕР ПАУЛЬ РУБЕНС Избиение младенцев.
    Ок. 1609–1611.
    Дубов ая доска, масло. 142x182.
    Эстимейт: 4–6 млн фунтов.
    Цена продажи: 45 млн фунтов.
    Sotheby`s. 10.07.02. Лот № 6
  24. ПИТЕР ПАУЛЬ РУБЕНС. Избиение младенцев. Sotheby`s. 10.07.02. 76,7 миллиона долларов

    Среди лидеров аукционных продаж, представленных сплошь импрессионистами, постимпрессионистами и модернистами, неожиданно оказался и один из главных «старых мастеров» — знаменитый фламандец Питер Пауль Рубенс (1577–1640). В июле 2002 года на аукционе Sotheby’s его картина «Избиение младенцев» была продана за 76,7 миллиона долларов. Покупателем стал канадский бизнесмен и коллекционер Кеннет Томсон.

    Весьма необычно, что высокой цены достигло именно полотно на непростой евангельский сюжет — казалось, большей популярностью должны были бы пользоваться, например, «Вакханалии» с пышнотелыми красавицами. Но — нет. Один из самых жестоких сюжетов Нового Завета — исполнение солдатами чудовищного приказа царя Ирода.

    Именно поэтому, вероятно, организаторы торгов осторожно оценили картину в 6 миллионов фунтов. Однако на торгах разгорелась нешуточная борьба между четырьмя покупателями. В конечном итоге полотно за 49,5 миллиона фунтов приобрел лондонской торговец рукописями, который выступал в интересах анонимного покупателя. Как позднее выяснилось, настоящим покупателем был канадский коллекционер Дэвид Томсон, сын газетного магната лорда Томсона, бывшего владельца лондонской Times.

    Возможно, причиной столь сильного ажиотажа стал высокий, «музейный», уровень полотна — недаром за него на аукционе сражались представители целого ряда музеев, в том числе музея Джона Пола Гетти в Лос-Анджелесе. Свою роль сыграло и неожиданное открытие, сделанное экспертом аукционного дома по фламандской живописи Джорджем Гордоном. Дело в том, что до недавнего времени картина атрибутировалась одному из учеников Рубенса, но Джордж Гордон, изучив сходство между «Избиением младенцев» и знаменитой картиной Рубенса «Самсон и Далила» из собрания Лондонской национальной галереи, предположил, что авторство принадлежит не ученику, а учителю. Хотя ведущие знатоки и исследователи живописи Рубенса подтвердили вывод британского эксперта, представители аукционного дома, очевидно, до последнего не были уверены в том, что к ним попал подлинный шедевр мастера, который мог бы украсить, без преувеличения, любое музейное собрание.

    МАРК РОТКО Белый центр (желтый, розовый и бледно-лиловый на темно-розовом). 1950
    МАРК РОТКО
    Белый центр
    (желтый, розовый и бледно-лиловый на темно-розовом).
    1950.
    Холст, масло. 205,8x141.
    Эстимейт: по запросу.
    Цена продажи: 65 млн долл.
    Sotheby’s. 15.05.07. Лот № 31
    Продана за 72,8 миллиона долларов
  25. МАРК РОТКО. Белый центр (желтый, розовый и бледно-лиловый на темно-розовом). 1950. Sotheby’s, 15.05.07. 72,8 миллиона долларов

    Один из самых загадочных художников современности. Его жизненный путь словно соткан из противоречий — в творческих поисках, в поступках, в жестах… Считающийся одним из идеологов и безусловно ключевой фигурой в американском абстрактном экспрессионизме, Ротко не выносил, когда его работы называли абстрактными. В прошлом хорошо знавший, что такое жизнь впроголодь, он демонстративно вернул заказчикам совершенно фантастический в пересчете на нынешние деньги аванс, оставив себе почти полностью законченную работу. Ждавший своего успеха и возможности зарабатывать на жизнь живописью почти пятьдесят лет, он нарочито отказывал людям, способным при желании разрушить его карьеру (что не раз бывало в истории). Как минимум социалист в душе, разделявший идеи Маркса, неприязненно относившийся к богачам и богатству, Ротко стал в итоге автором самых дорогих картин в мире, которые фактически превратились в атрибут высокого статуса своих владельцев. (Шутка ли, рекордный «Белый центр», проданный за 65 миллионов долларов, происходил из семьи
    Рокфеллеров.) Мечтавший о массовом зрителе, стал в итоге создателем картин, до сих пор понятных лишь узкому кругу интеллектуалов и ценителей, если не считать народным признанием тот факт, что имя художника стало брендом, а высокие образы работ были растащены на рекламные символы. Наконец, искавший разговора с господом через музыку своих холстов, художник, работы которого стали центральным элементом оформления церкви всех религий (http://rothkochapel.org), закончил жизненный путь совершенно отчаянным богоборческим актом…

    Ротко, помнившему черту оседлости и казаков, вряд ли сильно понравилось бы то, что его причисляют к русским художникам. Впрочем, антисемитизма хватало и в Америке тридцатых, не случайно художник «урезал» родовую фамилию. Но мы называем его русским не без оснований. Для начала — по факту рождения. Латвийский Двинск, нынешний Даугавпилс, на момент рождения Маркуса Ротковича — это часть России, и она будет оставаться таковой вплоть до распада империи, до 1918 года. Правда, революцию Ротко уже не увидит. В 1913 году мальчика увозят в США, семья переезжает в Портленд, штат Орегон. То есть детство и отрочество прошли в России, здесь формировалось жизненное восприятие, кругозор. Кроме того, что здесь он появился на свет, с Россией Ротко связывают, что интересно, и мировоззренческие темы, и конфликты. Известно, что он ценил труды Достоевского. Его собственное творчество ряд знатоков противопоставляют работам Малевича: если черный квадрат — это конец живописи, то цветовые пятна Ротко — это ее продолжение. И даже на уровне страстей Ротко предавался пороку, который в мире ассоциируется почему-то именно с русскими. Не аргумент, но еще один штрих для цельности натуры русского художника.

    К своим новаторским открытиям в живописи Ротко шел долгих 15 лет. Прошедший через многие фигуративные увлечения, в том числе через сюрреализм и фигуративный экспрессионизм, в середине 1940-х Ротко предельно упростил структуру своих картин, ограничив выразительные средства несколькими красочными блоками, образующими особую композицию. Интеллектуальная основа его работ — это почти всегда вопрос трактовки. Ротко обычно не давал прямых ответов, рассчитывая на соучастие зрителя в осмыслении работы. Единственное, на что он определенно рассчитывал, — на эмоциональную работу зрителя. Его картины не для отдыха, не для релаксации и не для «визуального массажа». Они рассчитаны на сопереживание. Одни видят в них окна, позволяющие заглянуть в душу зрителя, другие — двери в иной мир. Есть мнение (возможно, наиболее близкое к истине), что его цветовые поля — это метафорические изображения бога.

    Декоративная сила «цветовых полей» объясняется рядом специальных технических приемов, используемых Ротко. Его картины не терпят массивных рам — максимум тоненькие плашки-кромки, и то в цвет холста. Края картин художник намеренно тонировал в градиент так, чтобы живописное поле теряло границы. Нечеткие границы внутренних квадратов — это тоже прием, способ без контраста создавать эффект дрожания, кажущегося взаимного наложения цветовых блоков, пульсации пятен, словно дрожания света электрических ламп. Это растворение цвета в цвете и мягкость переходов особенно удавались маслом, до перехода Ротко на непрозрачный акрил в конце шестидесятых. И этот найденный эффект электрической пульсации усиливается, если смотреть картины с близкого расстояния. По замыслу художника трехметровые холсты зрителю оптимально смотреть с расстояния не более полуметра.

    Сегодня картины Ротко — гордость любого известного музея современного искусства. Так, в английской галерее Тейт есть зал Ротко, в котором живут девять картин из тех, что были написаны по контракту с рестораном Four Seasons. C этим проектом связана довольно показательная для характера Ротко история. В 1959 году к художнику по рекомендации обратились владельцы фешенебельного ресторана «Времена года», открывшегося в необычном нью-йоркском небоскребе Seagram Building (по названию компании — производителя алкоголя). Сумма контракта в пересчете на нынешние деньги составляла почти три миллиона долларов — весьма значительный гонорар даже для состоявшегося, признанного художника, каким в тот момент уже был Ротко. Тем не менее, когда работа была почти закончена, Ротко неожиданно вернул аванс и отказался передавать ее заказчику. Среди основных причин внезапного поступка биографы рассматривали нежелание угождать правящему классу и развлекать богачей за ужином. Есть также мнение, что Ротко расстроился, узнав, что его картин не увидят рядовые служащие, работающие в здании. Впрочем, последняя версия выглядит слишком уж романтично.

    Спустя почти 10 лет часть холстов, подготовленных для Four Seasons, Ротко передал в дар лондонской Tate Gallery. По горькой иронии судьбы 25 февраля 1970 года, в тот день, когда ящики с картинами достигли английского порта, художник был найден в своей студии мертвым — с перерезанными венами и (видимо, для гарантии) огромной дозой снотворного в желудке.

    Сегодня творчество Ротко переживает очередную волну искреннего интереса. Проходят семинары, открываются выставки, издаются монографии. На берегу Даугавы, на родине художника, установлен памятник.

    Работы Ротко на рынке не являются исключительно редкими (как, например, живопись Малевича). Ежегодно на аукционах одних только его картин, не считая графики, выставляется примерно 10–15 штук. То есть не дефицит, однако за них платят миллионы и десятки миллионов долларов. И такие цены вряд ли случайны. Скорее это дань его новаторству, желание открыть новые смысловые слои и приобщиться к творческому феномену одного из самых загадочных русских художников.
    ЭНДИ УОРХОЛ Зеленая автокатастрофа (Горящая зеленая машина — 1). 1963
    ЭНДИ УОРХОЛ
    Зеленая автокатастрофа (Горящая зеленая машина — 1). 1963.
    Синтетическая ткань, шелкография, акрил, льняной
    холст. 228,6x203,2.
    Эстимейт: 25–35 млн долл. Цена продажи: 64 млн долл.
    Christie’s. 16.05.07. Лот № 15
    Продана за 71,720 миллиона долларов
  26. ЭНДИ УОРХОЛ. Зеленая автокатастрофа (Горящая зеленая машина — 1). 1963. Christie’s. 17.05.07. 71,720 миллиона долларов

    Было бы странно, если бы в десятку авторов самых дорогих в мире работ не попал король поп-арта Энди Уорхол (1928–1987). Тогда пришлось бы признать, что массовое сознание и выбор коллекционеров — это два никак не сообщающихся сосуда. Потому что Уорхол едва ли не самый популярный художник ХХ столетия. Хотя не Уорхол «изобрел» поп-арт, именно он стал лицом этого направления. Он не только высмеивал культ потребления, а ввел эти идеи в искусство (сохранив при этом в своих работах элемент иронии), создал новое направление, собравшее целый круг последователей.

    В мае 2007 года на аукционе Christie’s в Нью-Йорке была продана самая дорогая к настоящему моменту картина Энди Уорхола «Зеленая автокатастрофа» 1963 года. Неназванный покупатель заплатил за нее 71,7 миллиона долларов, что почти вдвое превышает предварительную оценку лота, которая составляла 25–35 миллионов долларов.

    «Зеленая автокатастрофа» входит в серию «Смерть и несчастье», в которой художник, используя фотоснимки, отражал итоги трагических дорожно-транспортных происшествий. Источником впечатления, позднее визуализированного Уорхолом в «Зеленой автокатастрофе», стало ДТП в Сиэтле. На полотне несколько раз повторяется фотография с места автокатастрофы, опубликованная более сорока лет назад в журнале Newsweek. На ней изображен 24-летний водитель, повисший на телефонном столбе, в который он врезался, спасаясь от полицейского преследования.

    Трудно сказать, что сегодня сильнее привлекает в творениях Уорхола коллекционеров —бренд, пресловутая «ирония» или некий философский подтекст… Но то, что в 1962 году можно было купить за 100 долларов (именно столько тогда стоили «Банки супа Кэмпбелл»), а в 1978 году — за несколько десятков тысяч, теперь стоит миллионы — в частности, та же «Зеленая автокатастрофа», ровно тридцать лет назад проданная на лондонском Christie's за 69 тысяч долларов.

    ПОЛЬ СЕЗАНН Натюрморт с кувшином и драпировкой. Ок. 1893–1894

    ПОЛЬ СЕЗАНН
    Натюрморт с кувшином и драпировкой.
    Ок. 1893–1894. Холст, масло. 59,5x73.
    Эстимейт: 25–35 млн долл.
    Цена продажи: 55 млн долл.
    Sotheby`s, 10.05.99. Лот № 23
    Продана за 60,5 миллиона долларов
  27. ПОЛЬ СЕЗАНН. Натюрморт с кувшином и драпировкой. Ок. 1893–1894. Sotheby`s. 10.05.99. 60,5 миллиона долларов

    Поль Сезанн (1839–1906) заложил основы кубизма и целого ряда других направлений ХХ века. Примечательно, что на аукционе была приобретена именно эта классическая и столь типичная для Сезанна картина — «Натюрморт с кувшином и драпировкой». Этот натюрморт входит в серию, состоящую из шести работ, изображающих одни и те же предметы. Картина была продана на Sotheby's в 1999 году за 60,5 миллиона долларов.

    В этой работе проявились все самые яркие особенности манеры художника: стремление свести все предметы к геометрическим формам — цилиндру, шару и конусу, ясность цвета, монументальность формы. Если импрессионисты старались уловить изменчивые черты природы, то Сезанн создавал «картины для музеев», передавая незыблемую часть натуры. Ему удавалось в одной картине соединять несколько точек зрения на предметы, совмещая приемы прямой и обратной перспективы, что подготовило переход к кубизму. Свои натюрморты он писал подолгу, тщательно выверяя изображения. Находки Сезанна породили целую армию его идейных последователей, «сезаннистов», разделяющих и развивающих идеи художника. Его влияние на мировое искусство рубежа веков и, конечно, русское искусство (вспомните «Бубновый валет») переоценить сложно.

Copyright © artrevue.org  2003-2016
Автор проекта Ирина Колоскова